On a beau me dire qu'un film ne peut être comparé au roman dont il est adapté, je ne puis m'empêcher de commettre ce péché capital, surtout lorsqu'il s'agit d'un classique, a fortiori si ce livre a inspiré de nombreux réalisateurs. Je dirai peu de choses des précédentes versions cinématographiques des Hauts de Hurlevent (films et téléfilms) ne les ayant pas vus ou ne m'en souvenant pas pour les plus anciennes. Mais pour avoir visionné certaines scènes de ces adaptations britanniques télévisées sur le net, j'ai l'impression qu'elles sont très différentes et s'éloignent plus ou moins de la narration telle qu'Emilie Brontë l'a conçue.

Je me contenterai donc de parler de la dernière version des Hauts de Hurlevent, sortie récemment sur les écrans, non sans mettre cet opus en parallèle avec le livre, que j'ai relu en anglais à cette occasion et dont je ne me souvenais plus très bien. Il me semblait en effet qu'Andrea Arnold avait pris de (trop ?) grandes libertés avec l'original et je voulais en avoir le coeur net.

 Commençons par le choix d'un acteur noir (de plusieurs acteurs en fait ), pour le rôle de Heathcliff, l'enfant gitan recueilli et élevé par un fermier du Yorkshire, qui deviendra le souffre douleur du fils de  maison et concevra une haine dévastatrice envers ceux qui l'ont traité comme un domestique et envers leur descendance, et passera le reste de sa vie à essayer de se venger de ses tortionnaires et de ceux qui l'ont méprisé et humilié alors qu'il était jeune. Catherine, la fille de la maison, fut la seule à lui témoigner de l'affection et de l'amour, mais elle épousera le fils d'un riche voisin. Il ne pardonnera jamais ce qu'il estime être une trahison. Par dépit amoureux, il passera le reste de sa vie à essayer de la détourner de son mari et, n'y parvenant pas, de nuire également à la famille de l'époux.

Le choix d'un Africain n'est pas aussi anachronique que certains l'on dit. Quand on relit le texte, en effet, on s'aperçoit que l'enfant recueilli dans un port est jugé tellement "noir" par un personnage qu'il pourrait venir d'Amérique ou d'une colonie de l'empire britannique. Ce choix permet en tout cas à la réalisatrice de prendre radicalement le contre pied des lectures "romantiques" du texte par certaines versions "hollywoodiennes", qui font un peu trop l'impasse sur le thème du racisme et de la lutte des classes tels que certains critiques d'inspiration marxistes ont pu les voir dans le texte. Ce choix permet également à la réalisatrice de situer la problématique du livre dans notre époque en faisant du héros un immigré rejeté par la société blanche, un "damné de la terre" à la Frantz Fanon qui ne peut briser sas chaînes que par une violence aveugle qui le détruit autant qu'elle est dévastatrice pour l"entourage. En tout cas, la problématique d'affrontement entre classes sociales est bien présente dans le livre, que l'on peut lire comme une lutte sans merci entre les prolétaires (représentés par Heatcliff), les petits paysans propriétaires (Hinley, le fils de la maison des hauts de hurlevent, bourreau de Heathcliff qui prendra le pouvoir sur son ancien demi-frère en rachetant la propriété), et la petite aristocratie terrienne, dont le statut n'est pas acquis une bonne fois pour toutes dans la société en évolution du 19ème siècle. On voit en effet comment, par les alliances amoureuses et matrimoniales contractées nécessairement entre personnages de milieux différents en raison du monde clos du Yorshire limitant les rencontres entre pairs, les dominants sont menacés par les classes "inférieures" dans une sorte de consanguinité sociale et parentale. Seul Heathcliff, étranger à ce milieu jusque là immobile, apporte du sang neuf, et fait exploser le fragile équilibre qui a prévalu jusqu'alors. Lorsque s'achève le roman, les cousins se fréquenteront et concevront des amitiés pouvant conduire à l'amour et à la procréation, en  accentuant certes le caractère incestueux des relations familiales, mais, pour le meilleur et pour le pire, en bousculant la hiérarchie sociale se trouvera inversée partiellement.

Si l'on fait cette lecture du livre, et, visiblement, c'est ainsi qu'Andrea Arnold l'a lu, la violence, voire la bestialité des relations humaines, le parti-pris naturaliste de la mise en scène, sont justifiés, même si on a parfois l'impression que le film en rajoute par rapport au texte et se rend coupable de facilité envers les goûts actuels. Afin de rendre palpable à un spectateur moderne la bestialité du roman telle qu'elle devait être ressentie par un lecteur du 19ème siècle,  il fallait sans doute forcer le trait. Nous sommes devenus en effet tellement habitués à l'hémoglobine et aux déchaînement de violence gratuite, qu'une adaptation fidèle au texte pourrait  induire  l'impression qu'il s'agit de la bluette romantico-sentimentale qu'ont bien voulu y voir des générations de lectrices le réduisant à une histoire d'amour impossible entre deux amants que séparent deux familles jouissant d'un statut égal et se faisant la vendetta. Le tout se déroulant dans des demeures hantées par des fantômes et dans un paysage de landes exacerbant les passions. Certes le texte est considéré à juste titre  comme un roman "gothique", c'est à dire appartenant à cette littérature écrite principalement par des femmes et dont raffolaient les jeunes filles de bonne famille anglaises du 19ème siècle en leur procurant des frissons délicieux, causés par des monstres (Frankenstein est le plus célèbre des personnages du roman gothique) s'attaquant souvent à des héroïnes sans défense, qui s'ennuyaient dans leur demeure austère où il ne se passait rien de bien excitant. Le roman d'Emilie Brontë, lui, déconstruit, tout en l'adoptant, ce schéma "classique" du roman gothique, caractérisé essentiellement par une dimension freudienne inconsciente de la part des auteurs, en y introduisant  de manière plus ou moins explicite et assumée, des éléments sociaux et féministes qui ont contribué à son succès de l'époque et à le situer, dans la littérature anglaise, comme un anti "Orgueil et préjugés", le célèbre roman de Jane Austen.

Concernant la violence du livre, la bestialité des personnages d'Hinley et de Heathcliff suffirait à elle seule à justifier la version cinématographique d'Andrea Arnold. J'avais été choqué par ce que je considérais comme des scènes de cruauté gratuite envers les animaux. A la relecture cependant, j'ai constaté que la scène où Heathcliff, dans son délire de vengeance aveugle, pend par le cou un petit chien appartenant à la maison de son rival, existe bel et bien dans le texte.

 

On peut également s'étonner de certaines scènes du film recourant à un langage contemporain d'une vulgarité inouïe, dans ce qui est considéré comme un classique anglais. La littérature anglaise, ceci depuis Shakespeare et contrairement à la nôtre, si conservatrice dans ce domaine, a pourtant l'habitude de faire parler les personnages secondaires et même principaux dans les divers dialectes du pays, ceci en ne rechignant pas à la vulgarité et en transposant phonétiquement les accents locaux, ce qui reste une exception en français. Là encore, la réalisatrice n'a fait que transposer dans un anglais d'aujourd'hui, la vulgarité contenue dans les discours a-grammaticaux d'Hinley et de son fils Hareton, ainsi que du domestique, qui s'exprime, dans le livre, dans un patois du Yorkshire que même des locuteurs anglais étrangers à la région peuvent avoir du mal à comprendre :

Que ceux qui ont du mal à croire que les personnages d'un tel classique puisse s'exprimer dans une langue vulgaire et avec l'accent local, rendu "phonétiquement" par une orthographe non conventionnelle, que ces puristes de la forme littéraire en jugent par ce passage. C'est Joseph, le domestique bigot de la maison de Hurlevent qui parle :

 

'Ech! ech!' exclaimed Joseph. 'Weel done, Miss Cathy! weel done, Miss Cathy! Howsiver, t' maister sall just tum'le o'er them brooken pots; un' then we's hear summut; we's hear how it's to be. Gooid-for-naught madling! ye desarve pining fro' this to Churstmas, flinging t' precious gifts o'God under fooit i' yer flaysome rages! But I'm mista'en if ye shew yer sperrit lang. Will Hathecliff bide sich bonny ways, think ye? I nobbut wish he may catch ye i' that plisky. I nobbut wish he may.'

 

Pour que l'on se rende compte de l'écart par rapport à la norme orthographique, les mots écrits "phonétiquement" pour correspondre à la prononciation locale sont en vert et sont donnés ci-dessous  tel qu'ils devraient être écrits normalement et prononcés par des gens cultivés :

weel =well ; maister = master ; brooken = broken ; gooid = good ; ye = you ; desarve = deserve ; fro' = from ; churstmas = christmas ; t' = the ; o' = of ; fooit = foot ; i' = in ; yer = your ; mista'en = mistaken ; ye = you ; shew = show ; sperrit = spirit ;

sich = such ; nobbut = no doubt

 

Et si l'on ne comprend toujours pas ce que dit le domestique à sa maîtresse, car les fautes de syntaxe sont également légion, sans parler de particularités lexicales régionales, voici une traduction possible du passage  :

Ah ! ah ! s’écria Joseph. Ben fait, Miss Cathy ! ben fait, Miss Cathy ! Eh ben ! l’maître y va trébucher dans c’te vaisselle cassée ; et alors nous entendrons quéqu’chose ; nous verrons c’qui s’passera. Que stupide folie ! Vous mériteriez d’être en pénitence jusqu’à la Noël, pour j’ter ainsi à vos pieds les précieux dons de Dieu dans vos rages insensées ! Mais je m’trompions fort, on vous n’montrerez point c’te énergie-là longtemps. Pensez-vous que Heathcliff y va supporter ces jolies manières ? J’voudrions qu’y vous y prenne, à ce p’tit jeu-là. Oui, je l’voudrions.

 

 Au total donc, les critiques faites au film de Andrea Arnold, dont il est question plus haut concernant les libertés prises avec la version écrites, ne me semblent pas justifiées.

 

A mon avis en revanche, les points traités ci-dessous posent problème :

- Le film de Arnold fait l'impasse sur la fin du roman, qui est loin d'être la moins intéressante, c'est à dire sur la vie après la mort de Catherine et de Heathcliff, sur ce que deviendront les descendants des deux amants maudits, sur les relations que leurs enfants sauront nouer entre eux ou pas en dépit de ce qui séparent socialement ou incestueusement d'un point de vue oedipien.

- Je veux bien croire que l'on ne puisse adapter un tel roman pour en faire un film de deux heures sans omettre certaines scènes, événements ou intrigues que l'on considère comme mineures.

Mais, a mon avis les séquences répétitives, parfois interminables de branches qui frappent un carreau ou de brins de bruyère en gros plan secoués par le vent de la lande sont-elles bien nécessaires ou justifiées par le livre ? Il en va de même, je pense, des nombreuses séquences en caméra subjective, filmées dans une quasi obscurité empêchant de voir ce qu'il se passe, comme si elles l'étaient par un cinéaste amateur. Ces effets de "style" fonctionnent comme des tics de tournage plutôt qu'ils ne produisent les effets apparemment recherchés par la réalisatrice tels que je les comprends en tout cas :   Ces séquences sont-elles là pour donner un effet de cinéma réalité ? Sont-elles censées  "rendre" par l'image seule le caractère tourmenté du lieu et des passions qui s'y déchaînent ? Leur répétition et leur longueur en tout cas, n'apportent rien de plus au "message" qu'elles semblent vouloir délivrer et on peut se demander si ce temps n'aurait pas mieux été utilisé à "coller" un peu plus au texte en oubliant totalement les derniers chapitres.

- Le parti pris "minimaliste" de la mise en scène, acclamé par certains critiques, finit par lasser, surtout lorsque des silences pesants, censés exprimer la difficulté à communiquer des êtres, tiennent lieu de dialogue. Or dans le livre, même les personnages les plus frustes -à part Hareton, le fils de Hinley peut-être et Heathcliff enfant - ne sont pas silencieux. Joseph, par exemple, bien que illettré, ne manque pas une occasion de gloser sur les écritures et la conduite que devraient adopter de bons chrétiens. Là encore, le "message" de la réalisatrice me semble être que dans certains milieux défavorisés, comme ceux qu'elle met en scène dans son film précédent, Fish tank, la violence physique tient lieu de communication. Si le procédé fonctionne pour dépeindre la working-class contemporaine, il ne me semble pas correspondre à la lettre et à l'esprit du roman, dont la critique s'accorde à dire (et ceci malgré l'introduction du dialecte et de vulgarités dans certains dialogues) que la langue d'Emilie Brontë est magnifique.

 

Au total donc, je recommmanderai à ceux qui connaissent bien le livre d'aller voir cet opus, qui peut  leur faire découvrir ce qu'une lecture contemporaine de l'oeuvre peut apporter (ou non) de nouveau à la manière dont ils l'ont reçu.

En revanche, aller voir ce film sans connaître le livre ni d'autres versions filmées, risque de ne pas donner envie de lire le roman.

Ou bien, au contraire, certains, surpris par la violence et le "minimalisme" du film, liront ou reliront come moi le roman et découvriront en quoi le film est fidèle à (ou trahit) l'original. Et dans ce cas, le cinéma (et peut-être cet article...) auront joué un rôle positif.

 

On pourra également comparer cette version à d'autres adaptations filmées, en allant sur le net et en tapant le titre. Le livre a été adapté de nombreuses fois au cinéma et à la télé britannique surtout. Juliette Binoche tient le rôle principal dans l'une de ces versions. Il est possible de visionner des extraits de scènes seulement, pour se faire une idée de l'atmosphère différente obtenue par les différentes versions, ceci même si les vidéos sont en anglais non sous-titré.

 

Quelques liens pour voir des vidéos donnant une idée de l'atmosphère de différentes adaptations cinématogrpahiques du livre. 

 

http://www.imdb.com/title/tt1181614/   (lancement du film de Andrea Arnold)

 

http://www.youtube.com/watch?v=VsXEnpNuDk0  (1ère partie d'une série télévisée réalisée par la BBC en 1998. A mon avis plus proche du livre que le film dont il est question dans l'article.) 

 

 

 

    Film français-polonais-ukrainien-allemand sur la catastrophe de Tchernobyl. Fiction et documentaire tout à la fois. Tourné sur le site même par la réalisatrice israélienne : Michale Boganim

Ci-dessous, une critique publiée dans allo ciné, qui n'engage que son auteur (notamment la fin s'en prenant aux verts), mais qui résume assez bien l'atmosphère et la tonalité du film que je viens de voir à Paris.

D'une manière générale, je ne serai pas aussi élogieux que le texte ci-dessous, malgré les qualités évidentes de l'oeuvre, qui a le mérite d'être la première à tenter la gageure de parler de cet événement en l'enserrant dans un cadre narratif et fictionnel.

Le début, qui fait penser au déjeuner sur l'herbe de Renoir, est magnifique. Mais il ne faut pas se tromper : Une menace pèse sur cet Eden soviétique. Pripiat, la ville construite pour les employées de la centrfale de Tchernobyl, est une ville privilégiée, surdotée en équipements cultruels et sportifs, bien approvisionnée (pas de queues dans les magasins). Mais très vite, des signes inquiétants, ignorés d'abord par les habitants, montrent que l'enfer rôde. Il y a aussi du Marguerite Duras dans le commentaire off, un parfum de India song. Une fois la catastrophe passée, les destins parallèles des personnages, qui restent  fascinés par le lieu où le malheur les a frappés, sont moins crédibles.

Mais, au total, un film dérangeant, à voir, nous rappelant ce qui pourrait nous arriver si par malheur......

 

"Mariage pluvieux, mariage heureux. Et il pleut, au mariage d'Anya, il pleut! Depuis trois jours, les vannes célestes sont ouvertes. Ils se font saucer pour la photo devant la statue de Lénine, ils se font saucer pour le bal, sauf que la pluie qui tombe est noire. Noire comme la mort. Le marié, on vient le chercher au milieu de la noce -il est pompier- pour un "feu de forêt". Quand il sort de la centrale, il est tellement irradié qu'il est une vrai usine nucléaire à lui tout seul. Anya ne le reverra jamais. Il y a aussi l'ingénieur Alexeï, qui vient de planter un pommier avec son petit Valery. On le prévient par téléphone: il y a un problème. Mais chut! Défense d'en parler. Fonctionnaire obéissant, Alexei se tait, mais il il sort avec son compteur Geiger, le passe partout, sur les plantes, sur les étals du marché, ce qu'il lit le terrifie. Le chat de la famille, après avoir mangé du poisson fraichement pêché, meurt. [Ca, c'est une petite facilité de mise en scène que je reproche un peu au réalisateur: il nous montre des poissons, des animaux domestiques morts, ce qui est évidemment très frappant, mais j'imagine que cela n'a pas été aussi didactique. Les animaux irradiés ont du, eux aussi, comme les liquidateurs, mettre quelques jours à mourir.] Alors il met sa femme et Valery en voiture, en leur disant de partir. Ils ne se reverront jamais non plus. On vivait bien à Pripiat, mieux qu'ailleurs en Ukraine en tous cas. L'industrie nucléaire faisait vivre la ville. La campagne regorgeait de gibier, et le fleuve, de poissons. Nikolaï, le garde forestier, se cachera quand enfin, trois jours trop tard, les populations seront évacuées, brutalement, sans avoir le droit d'emporter le moindre bagage. Il restera là, chez lui. Il sera rejoint plus tard par des squatters, des Tchétchénes par exemple, qui viendront s'emparer des maisons abandonnées et s'y installer. Anya, évacuée, est revenue à Pripiat. On la retrouve, dix ans plus tard, elle est guide pour Tchernobyl-Tours. Tchernobyl-Tours! On croit rêver. Eh oui, des agences de tourisme organisent des voyages dans la "zône", il y a des étudiants, des journalistes -mais aussi, sans doute, des gens poussés par une curiosité malsaine. On les affuble d'une blouse, on leur fait éviter les secteurs encore trop contaminés, et ils se font photographier devant la grande roue du parc d'attraction qui n'a jamais ouvert. L'inauguration devait avoir lieu le 1 mai. La catastrophe a eu lieu le 28 avril.... Au cours de la visite, on passe chez Nicolaï qui offre ses pommes, excellentes dit-il, mais à vrai dire les visiteurs ne se pressent pas pour les prendre.... Il y a aussi les familles des victimes -des liquidateurs, qui reviennent devant le monument qui leur est dédié, mettant la table pour leur offrir des gateaux, de la vodka, dans un étrange cérémonial plus animiste qu'orthodoxe à vrai dire.... Valery s'échappe. Il ne peut croire que son père soit mort. Il pense que son père le recherche. Cet Alexei, vieilli, qu'on nous montre trainant dans les gares et demandant le nom de tous les jeunes gens qui pourraient avoir l'âge de Valery, est -il réel, où est ce une projection des fantasmes du jeune homme? Anya est partagée entre un fiancé français, qui la presse de partir avec lui, et un amant à Pripiat. Finalement, l'attachement à sa terre est la plus forte. Il y a chez tous les protagonistes du magnifique film de Michale Boganim, cette volonté de préserver cette terre que l'incompétence humaine a salopée. C'est cela qui donne au film sa richesse et sa profondeur, cet amour de la terre natale qui veut que, parce qu'on l'a outragée, eh bien, il faut rester solidaire avec elle, il faut la défendre. Anya, c'est la ravissante ex-mannequin ukrainienne Olga Kurylenko, très convaincante dans ce rôle. Elle a beaucoup poussé à la réalisation du film. Alors on se demande pourquoi cette oeuvre, sortie en pleine période électorale, n'a pas été revendiquée, utilisée par nos Verduronnets? Vous me direz que leur leader, trop occupée par les scandales financiers et le mariage homosexuel, a oublié que le E du logo voulait dire "écologie". Mais surtout, je pense qu'ils ne doivent pas trouver le film suffisamment militant (ce n'est pas son propos....). La survie de ceux qui, comme Nicolaï, n'ont pas voulu quitter la zône, mais c'est un scandale! Kill them all! Pour moi, nuclearophile comme vous le savez, on voit là un vrai catalogue de tout ce qu'il ne faut pas faire. Devant cette centrale quasiment à l'abandon, avec son personnel démotivé et sous-payé, on pense à ce qu'on risque si on abandonne notre industrie aux marchands du temple: privatiser les centrales, recourir à la sous traitance, vendre des réacteurs à des pays non fiable sur le plan de la stabilité politique ou de la capacité intellectuelle... Brrrrr! Mais, répètons le, ce n'est pas cela le propos de ce beau film, grave, émouvant, à voir absolument.

Revu avec un regard nouveau depuis l'affaire DSK, hier soir sur Arte, ce film de Brian de Palma, tiré d'un roman à succès de Tom Wolfe, publié en 1983. Titre eponyme : The bonfire of the vanities.

Le film lui-même est sorti en 1999. Au moment de sa sortie, le film fut un échec commercial important. Aujourd'hui, le scénario semble avoir été écrit après les événements que nous avons vécus récemment.

Le choix de programmer ce film maintenant, au moment où DSK, après la séquence américaine, va devoir affronter la justice française pour l'affaire Banon, n'est sans doute pas un hasard.

L'histoire de cet homme riche et puissant vaudrait sans doute à l'adaptation cinématographique, si elle sortait sur les écrans aujourd'hui, un succès immédiat. 

Ce richissime financier est accusé d'avoir pris la fuite après avoir renversé un adolescent noir dans le Bronx, une nuit où, en compagnie de sa maîtresse qui conduisait sa voiture, les deux amants avaient pris par erreur une bretelle de sortie conduisant dans un quartier où des gens de leur classe sociale ne s'aventurent jamais habituellement,

La descente aux enfers de cet homme  fait étrangement penser à ce qui est arrivé à l'ancien directeur du FMI.

Qu'on en juge par l'intrigue, le personnage principal et les protagonistes qui s'agitent autour de son cas pour le faire choir de son piédestal et se construire une notoriété à ses dépens :

- Le procureur de New york, un juif accusé de racisme par la communauté noire et qui doit prochainement affronter une élection non gagnée d'avance, tient absolument à prouver qu'il se montre impitoyable envers les riches blancs et qu'il défend la cause des humbles et des opprimés constituant la majorité de son électorat dans le district où l'accident s'est produit. ce district n'est autre que le Bronx, le même quartier où DSK devait être jugé si les autorités n'avaient pas abandonné leurs charges....

- Le pasteur du quartier où l'adolescent s'est fait renverser, autoproclamé meilleur défenseur de la communauté noire, comprend tout le parti qu'il peut tirer de cette situation pour se constuire une notoriété en instrumentalisant la rancoeur des pauvres, des minorités ethniques, contre les privilégiés qui sévissent à Manhattan. A cet égard les scènes de tribunal, pendant lesquelles l'assistance, raccolée par les associations pour faire pression sur le juge, rappellent étrangement celles où la haie de femmes de chambres conspuait DSK à son arrivée au tribunal, ceci au nom des humbles, des "non blancs"

 - Le révérend activiste fait également étrangement penser à l'avocat de Nafissatu Diallo, qui a choisi comme stratégie une ligne de défense  dénonçant une justice de classe et "raciale".

- La mère de l'adolescent, elle-même, n'est pas si éloignée de la femme de chambre prétendument violée par notre Frenchy queutard invétéré et néanmoins ancien présidentiable, puisqu'elle se laisse manipuler par le pasteur et les associations en espérant récolter une somme rondelette pour elle-même, son fils étant dans le coma et ne semblant pas pouvoir profiter un jour de cette manne financière.

- Que dire également de l'association des locataires de l'immeuble de luxe ou réside le présumé coupable, qui lui demande de quitter les lieux car il gène les résidents respectables qui ne veulent plus de lui. On se souvient de l'épisode où DSK s'est vu lui-même refuser par les locataires d'un immeuble où il voulait louer un apartement, le privilège de partager leur "humble résidence" et dut trouver à prix d'or un immeuble occupé uniquement par lui et sa femme.

- Autre scène qui fait immanquablement penser aux images de DSK menotté, celle de l'arrivée au tribunal. Son avocat l'avait rassuré en lui prédisant une simple formalité, mais dans la voiture de police, les officiers lui annoncent qu'ils doivent lui passer les "pinces", et une foule de journalistes prévenus sans doute par le procureur et attirés comme des mouches par le scandale et la chute d'un puissant l'attendent sur les marches du palais de justice pour le crucifier de leurs flashes  fouineurs.

- La femme du chauffard présumé ne ressemble certes pas à Anne Sainclair, car elle ne tarde pas à le quitter dès qu'elle apprend sa mise en examen, et alors même qu'elle n'a pas encore connaissance de sa liaison avec celle qui conduisait la voiture au moment de l'accident.

 

De Palma ne pouvait évidemment pas penser à DSK quand il a réalisé son film, ni l'auteur du livre envisager que les frasques d'un riche homme politique français illustreraient un jour à merveille le récit qu'il avait conçu pour dénoncer les travers et dysfonctionnements du sytème judiciaire américain. Mais on ne peut aujourd'hui que s'étonner, malgré la caricature  parfois outrancière de la fable, du caractère prémonitoire de l'oeuvre littéraire et de son adaptation cinématographique.

 

Ceux  auxquels le parallèle que je fais ici avec l'affaire DSK a donné envie de voir le film peuvent consulter les lignes ci-dessous :

 

D'où vient l'expression bucher des vanités ?   (extrait d'un article de wikipedia)

Le Bûcher des Vanités (en italien : Falò delle vanità) a lieu le 7 février 1497 quand les disciples du moine Jérôme Savonarole rassemblent des milliers d’objets pour les brûler, à Florence, le jour du Mardi Gras.

Les objets visés par cette destruction sont ceux qui poussent au péché, spécialement ceux qui touchent à la vanité, comme les miroirs, les cosmétiques, les robes richement travaillées, les bijoux, les instruments de musique. D’autres objets aboutissent sur le bûcher : livres immoraux, chansons non-religieuses, images licencieuses. Quelques chefs-d’œuvre de la peinture florentine, des nus d’inspiration mythologique de Botticelli sont portés par le peintre lui-même au bûcher.

De tels bûchers ne sont pas une invention de Savonarole, et accompagnaient fréquemment les sermons hors des églises de saint Bernardin de Sienne, dans la première moitié du XV^e siècle.

 

 

Distribution : Elle est particulièrement efficace, avec Tom Hanks dans le rôle du présumé coupable, Mélanie Griffith, délicieusement perverse en maîtresse intéressée, qui témoigne contre son amant au procès. Morgan Freeman est excellent comme d'habitude dans le rôle du juge intègre qui, bien que noir, refuse de transformer le procès en instrument d'agitation sociale et de levier politique. Il y a aussi Bruce Willis, qui pour une fois, ne se commet pas dans un navet hollywoodien où les méchants tombent comme des mouches. Ici, il joue le rôle d'un journaliste qui dans un premier temps, comme la plupart des ses confrères et bien que persuadé de l'innocence de celui que tout le monde accuse, tait ce qu'il sait pour aller dans le sens de ce que son rédacteur en chef et le public du journal  souhaitent entendre, puis comme tout le monde ensuite, applaudit lorsque la victime expiatoire des media et bouc émissaire idéal cristallisant sur son nom toutes les frustrations des laissés  pour compte du rêve américain est innocentée. A la fin du film, on le voit recevoir le prix Pulitzer pour un livre dans lequel il surfe de manière opportuniste sur une opinion publique toujours changeante au gré des fluctuations de l'actualité. Tout le monde, y compris ceux qui voulaient à tout prix brûler le financier sur ce bûcher des vanités post-moderne, salue désormais le sytème et ses protagonistes institutionnels divers, qui ont  su reconnaître leurs erreurs, blanchir l'innocent.

La justice a triomphé comme on dit, mais le faux happy end laisse au spectateur  un goût amer.

D'autre procès en sorcellerie, dans lesquels des avocats et des partis instrumentalisant la haine raciale et celle de classe, feront la une de l'actualité. Les boucs émissaires que sont les riches et les banquiers, (qui se trouvent parfois être juifs également, comme le financier du film et DSK.........), seront à nouveau désignés comme responsables de tous les maux sociaux par les damnés de la terre et ceux des politiciens qui font croire à leurs sectateurs qu'il suffirait de punir les puissants et de récupérer l'argent confisqué par un grand complot de la finance cosmopolite pour aller vers un avenir radieux.

A chaque extrémisme son bouc émissaire. Pour l'extrême droite et la droite populiste, ce sont les émigrés qui sont responsables de tout. Pour l'extrême gauche, la gauche extrême, et parfois également pour une partie de la gauche qui se dit modérée, les nouveaux grands complots contre la république, la démocratie, la culture,  sont fomentés une fois de plus (l'histoire se répète...)  par les banquiers, les traders, et bien sûr leurs complices de la presse et des media aux ordres  du pouvoir.

CQFD, l''angle droit bout à 90° ...............

 

 

Vu hier à Paris le dernier film de Sofia Coppola, Somewhere, après avoir essayé d'entrer (en vain, il y avait 5 heures de queue..) à l'expo Monet. Le début du film est laborieux, on ne sait pas trop où la réalisatrice veut en venir avec de longues séquences - qui pourraient être écourtées sans nuire au message - montrant le désoeuvrement et la perversion d'un acteur à succès. Par exemple,  entre deux gueule de bois, il est appelé par son agent gérant entièrement son emploi du temps pour des séances de photos avec une actrice qui fut sa partenaire dans un film et sans doute son amante déçue. On le suit également  lors d'une prise d'empreinte pendant  laquelle on fait un moule de son visage. Pendant cette séquence qui est métaphorique de son statut d'acteur en carton pâte,  on voit son visage disparaître sous la couche de glaise appliquée celui qui est chargé de le "statufier". Il devient momie, façonné par la volonté d'un système qui l'utilise, qui le chosifie. Au cours de son errance à travers les différents "happenings" ponctuant son somnanbulisme mental, il reçoit des SMS injurieux qui émanent sans doute d'une conquête remerciée, il conduit une voiture de course sans but sur les autoroutes de Los Angeles, suivant une femme lui ayant souri au volant jusqu'à sa villa et devant rebrousser chemin lorsque la grille se ferme automatiquement derrière elle. Il fait venir à domicile des danseuses érotiques payées, sans même leur demander de coucher, semblant se contenter d'une posture voyeuriste, souriant bêtement en les voyant se trémousser autour de la barre de fer démontable et remontable qu'elles emmènent avec leurs tenues de travail. Lors d'une soirée donnée à son insu par un ami dans son apartement il s'endort, (abruti qu'il est par l'alcool incurgité et sans doute par d'autres substances), en  train de faire un cunilingus à une partenaire abordée au hasard.

Peu à peu cependant, le personnage prend de l'épaisseur lorsqu'il doit (entre deux parties de jambes en l'air avec des petites starlettes attirées comme des mouches par ce néon pouvant leur apporter une parcelle de célébrité fugace) s'occuper de sa fille de onze ans, que son ex femme lui confie d'autorité, pour "prendre du recul" selon l'explication qu'elle lui donne.

Le père et la fille, contre toute probablilité et malgré la vie dissolue et superficielle de l'acteur, s'inventent, se bricolent, une relation chaleureuse et complice. Il y a des scènes d'une infinie tendresse, celle par exemple où ils sont allongés dans le même lit (en tout bien tout honneur !!) et commandent des glaces qu'ils dégustent ensemble, ou bien encore celle de la piscine, où ils décrivent des arabesques sous-marines comme deux gosses en apesanteur et en symbiose affective. Dans cette scène comme dans d'autres d'ailleurs, le père semble être le plus immature des deux...

Gtâce à la présence inattendue et non vraiment souhaitée au départ de sa fille, l'acteur découvre que sa vie peut avoir un sens et réalise qu'il n'est rien d'autre qu'un petit minable malgré ses succès médiatiques et féminins.

L'actrice qui joue la pré-adolescente de onze ans à la recherche d'un père qui ne s'est guère occupé d'elle jusque là est lumineuse. Son jeu est sobre, fait tout à la fois d'innocence et de maturité. Elle devient comme une petite maman pour cet acteur à la dérive qui ne savait pas comment être père jusque là.

Sofia Coppola, bien que déclarant, dans ses interviews à la presse, que sa vie ne fut pas semblable à celle de l'héroïne du film, qu'elle ne fut aucunement délaissée par son père, connait bien son sujet. Comme Cleo, la fille de l'acteur, elle a probablement été poursuivie par des photographes traquant les people à la recherche d'histoires ou de photos pouvant faire scandale. Enfant, elle a bien dû accompagner son père célèbre lors de ses tournées de promotion dans le monde. Comme ce père,elle doit maintenant répondre à des questions stupides de journalistes ou présentateurs, ne portant même pas sur l'oeuvre censée être la raison de sa venue sur le plateau. A cet égard, la séquence lors de laquelle Johnny Marco emmène sa fille en Italie est sans doute empruntée à des souvenirs personnels. Le père et la fille sont, logés dans un luxueux palace duquel ils sont pourchassés par les paparazzis et doivent s'enfuir comme des amants ne voulant pas révéler leur relation au monde entier. Prisonnier dans sa prison dorée, tout comme il l'est dans le célèbre hötel Marmont où il réside à Los Angeles,Johnny Marco ne peut sortir qu'en prenant certaines précautions : Il doit regarder sans cesse dans le rétroviseur pour voir s'il n'est pas suivi. A l'étranger, dans le palace somptueux et aux décorations Pompéïennes (signe de décadence de la société du spectacle avant le cataclysme qui nous guette ?)  où il réside, il lui est impossible de voir le pays et de rencontrer de "vrais" gens. Toute la séquence romaine (on pense à Fellini..) est emblématique de la frustration que peut ressentir un créateur, un artiste, lorsqu'il se retrouve, malgré lui sans doute, dans un show berlusconien peuplé d'ineffables bimbos danseuses et potiches de service,  où ceux qui l'ont fait venir là à leurs frais ne veulent entendre de lui que quelques mots insipides, toujours les mêmes formules consensuelles flattant l'orgueil national, à la gloire du pays d'accueil, prononcés dans la langue locale, mais ne faisait pas avancer d'un poil la compréhension de l'oeuvre. On atteint là le degré zéro de la communication entre les êtres et deux cultures, qui pourtant sont occidentales et devraient pouvoir se rencontrer et s'enrichir mutuellement. Elles peuvent sans doute le faire, mais en d'autres lieux que dans ce barnum de paillettes et de strass.......... Dans ces conditions, on peut, tout comme Sofia Coppola et son père, ou Johnny Marco, être d'origine italienne et se sentir totalement étranger dans le pays de ses ancètres, coupé de ses racines en passant dans la moulinette médiatique.

De ce point de vue, on retrouve dans ce film les thèmes de Marie Antoinette : Solitude absolue des grands de ce monde, coupés de la "réalité", à la recherche d'authenticité, hagards, prsonniers d'une cour qui les choient et les broient tout à la fois. On me dit que ce thème parcourt également Lost in translation (que je n'ai malheureusement pas vu).

Marie Antoinette m'avait énervé par ses inexactitudes historiques et la superficialité du regard porté sur cette période de notre histoire, mais après avoir vu ce dernier opus, il me semble que je devrais peut-être revoir le précédent à la lumière de ce que celui-là m'a révélé des obsessions récurrentes de la réalisatrice.

Je voudrais ici parler d'un film sur l'Afrique du sud, dans lequel joue pourtant john Malkovitch et dont on ne parlera sans doute pas autant que d'Invictus.
Le dernier film de Clint Eastwood n'est pas désagréable à voir. Il a le mérite de montrer à un large public, comment le grand leader noir, prenant à rebours les dirigeants de l'ANC et les militants de base, ainsi que beaucoup de noirs et de métis je suppose,, a contribué à éviter un bain de sang à son pays en optant pour le pardon et pour une politique consistant à associer les blancs à la construction d'une Afrique du sud où les races pourraient enfin cohabiter.
Mais le film de Eastwood pôse et résout les problèmes de manière Hollywoodienne et ne nous apprend pas grand chose de la réalité de ce pays, des tensions qui subsistent entre communautés. Le message est politiquement correct. C'est celui que la majorité des gens qui rejettent à juste titre l'apartheid ont envie d'entendre aujourd'hui. Mais, à être trop simpliste, le message a du mal à être véritablement crédible. Ce serait trop beau pense-t-on, si les choses étaient si simples, s'il suffisait d'un match de rugby pour effacer les traces d'un passé si violent.
Disgrâce, lui, nous offre une image totalement opposée de la nouvelle Afrique du Sud. Sans céder à une nostalgie neo-ségregationiste, c'est ici un pays non réconcilié qui nous est décrit, un pays où les blancs minoritaires doivent payer un tribu au passé, où la mauvaise conscience fait accepter à certains les pires humiliations de la part de ceux que leur communauté oppressait jadis.
Tiré du formidable roman de Cotzee, prix Nobel de littérature en 2003, le film est fidèle au texte et ne trahit pas, je crois, ni la lettre, ni l'esprit de l'oeuvre littéraire, même si les analyses sociologiques et psychologiques contenues dans le roman sont bien plus puissantes et plus profondes que celles du film, simplement suggérées par l'image et quelques dialogues. 
Un professeur de littérature, spécialiste de Byron et des romantiques, tente de faire partager sa passion à des élèves un peu endormis et peu intéressés par son discours. Il fréquente assidûment les prostituées pour assouvir ses désirs. Il a un discours ambigu sur une sorte de légitimité de l'instinct de chasseur du mâle envers envers des partenaires féminines. Il ne viole pas, mais profite de son aura (et peut-être de sa position hiérarchique de prof) pour coucher avec une étudiante métisse. Il doit quitter son poste pour avoir refusé, devant le conseil de discipline de l'université, d'exprimer des regrets quant à son acte et pour s'être contenté de plaider coupable.
Il arrive chez sa fille qui exploite seule une ferme isolée dans le bush. Son amie (Les deux femmes sont lesbiennes dans le livre, mais ce détail n'est pas vraiment précisé dans le film) vient de quitter l'endroit.
Le père s'aperçoit rapidement que l'employé noir se comporte comme si la propriété lui appartenait et qu'il devait reprendre ses droits à la terre un jour ou l'autre. Il interroge sa fille à ce sujet, mais cette dernière semble résignée au fait que dans la nouvelle société, la communauté blanche doit accepter une dépossession progressive des privilèges que les Afrikaners se sont octroyés injustement.
La feme est attaquée un jour. La fermière blanche est violée et les agresseurs tentent de transformer le père en torche humaine. Suite à cette attaque, la fille refuse de porter plainte et ils s'aperçoivent que Petrus, l'employé noir, connait les assaillants et a peu être commandité l'attaque afin de décourager la propriétaire du lieu et de récupérer ses terres, sur lesquelles il commence d'ailleurs à se construire sa propre maison dans une grange qu'elle lui a cédée.
On apprendra par la suite que la fille du professeur ne se fera pas avorter et acceptera d'épouser Petrus, le futur véritable patron des lieux, pour être "protégée" de la convoitise et de la haine de ses voisins noirs.
Contrairement à ce que pourrait laisser penser ce petit résumé, bien qu'aux antipodes de l'optimisme d'Invictus et de la forte demande d'histoire sainte que nous avons envie d'entendre et qui est véhiculée dans les médias, c'est un tout autre pays, qui nous est dépeint ici. La vision est pessimiste. Les personnages blancs, surtout le prof, ne sont pas du tout des "héros positifs", mais ne sont aucunement non plus nostalgiques de l'ancien ordre. Ils essaient au contraire d'établir des relations harmonieuses avec leurs voisins africains, mais réalisent que l'ancien monde est en train de vaciller, qu'ils vont devoir payer cher la souffrance que leur communauté a fait subir aux noirs et aux "non blancs".
Le prof de fac en est réduit à aider une blanche vivant dans le bush à euthanasier des chiens abandonnés. Est-ce une métaphore du sort qui attend les Afrikaners ?
J'ai comme l'impression, en entendant les reportages sur l'Afrique du sud contemporaine, que le pays que nous présente Coetzee est plus proche de la réalité que la bluette hollywoodienne que nous propose Eastwood et qui fut encensée béatement par la critique, pour des raisons plus idéologiques qu'esthétiques.
En tout cas, si vous avez vu Invictus, et si Disgrâce passe dans un cinéma près de chez vous, courez voir ce film. Vous aurez ainsi deux versions complémentaires d'une même réalité.
Sur Arte, récemment, un documentaire sur la lutte héroïque, humaniste et néanmoins inflexible de Mandela contre l'Apartheid a montré bien mieux qu'Invictus, ce que fut cette lutte et les compromis (qui ne furent jamais concessions) que le grand leader noir dut conclure pour éviter un bain de sang à son pays. Une leçon que devraient méditer chez nous et ailleurs les adeptes du "tous pourris", qui n'ont comme programme alternatif de gouvernement, que de vouloir mettre en prison tous les les hommes  politiques coupables (et même ceux qui sont suspectés seulement !) de faits de corruptions beaucoup moins graves que ceux commis par les anciens bourreaux de l'apartheid, qui eux furent pardonnés par leurs victimes (ou en tout cas par les tribunaux de la nouvelle société mis enplace par l'ANC grâce à l'influence de Mandela et de gens comme Desmond Tutu sans doute.....
Je ne suis pas sûr que le nouveau président et les nouveaux dirigeants du pays soient à la hauteur de leur prédecesseur........  Espérons que je me trompe et que Coetzee se trompe aussi dans la  vision extrêment sombre de son pays qu'il nous communique dans ses mots et que le film tente de traduire en images....